Thông tin

Những hình ảnh kỳ lạ nhất

Những hình ảnh kỳ lạ nhất


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Mỹ thuật có khả năng mang lại một loạt các cảm xúc. Một số bức tranh được che đậy trong những bí ẩn huyền bí, trong khi ở những người khác, điều chính là giá cực kỳ cao của chúng.

Có rất nhiều bức tranh kỳ lạ trong lịch sử hội họa thế giới. Và mặc dù chính khái niệm về sự kỳ lạ là chủ quan, có thể chọn ra những tác phẩm nổi tiếng rõ ràng nổi bật trong loạt bài nói chung.

Edvard Munch "Tiếng thét". Công trình có kích thước 91x73,5 cm được tạo ra vào năm 1893. Munch đã vẽ nó bằng dầu, phấn màu và nhiệt độ, ngày nay bức tranh được lưu giữ tại Phòng trưng bày Quốc gia Oslo. Sáng tạo của họa sĩ đã trở thành một dấu mốc cho chủ nghĩa ấn tượng, nó thường là một trong những bức tranh nổi tiếng nhất trên thế giới hiện nay. Chính Munch đã kể câu chuyện về sự sáng tạo của nó: "Tôi đang đi dọc theo con đường với hai người bạn. Lúc này mặt trời đang lặn. Bỗng nhiên bầu trời chuyển sang màu đỏ, tôi dừng lại, cảm thấy kiệt sức và dựa vào hàng rào. Tôi nhìn vào máu và ngọn lửa trên ngọn lửa. - một người lính da đen và một thành phố. Các bạn của tôi đã tiếp tục, và tôi vẫn đứng đó, run rẩy vì phấn khích, cảm thấy một tiếng khóc bất tận xuyên qua. " Có hai phiên bản của việc giải thích ý nghĩa được rút ra. Chúng ta có thể cho rằng nhân vật được miêu tả bị thu giữ với nỗi kinh hoàng và âm thầm la hét, áp tay lên tai. Một phiên bản khác nói rằng người đàn ông bịt tai sau tiếng la hét xung quanh. Tổng cộng, Munch đã tạo ra tới 4 phiên bản "Scream". Một số chuyên gia tin rằng bức tranh này là một biểu hiện kinh điển của chứng rối loạn tâm thần trầm cảm mà nghệ sĩ phải chịu đựng. Khi Munch được điều trị trong phòng khám, anh ta không bao giờ quay lại bức tranh này.

Paul Gauguin "Chúng ta đến từ đâu? Chúng ta là ai? Chúng ta đang đi đâu?" Trong Bảo tàng Mỹ thuật Boston, bạn có thể tìm thấy tác phẩm Ấn tượng này có kích thước 139,1 x 374,6 cm. Nó được vẽ bằng sơn dầu trên vải vào năm 1897-1898. Tác phẩm sâu sắc này được viết bởi Gauguin ở Tahiti, nơi ông đã nghỉ hưu khỏi cuộc sống hối hả và nhộn nhịp của Paris. Bức tranh trở nên quan trọng đối với người họa sĩ đến nỗi sau khi hoàn thành, anh ta thậm chí còn muốn tự tử. Gauguin tin rằng cô là người giỏi nhất trên đầu mà anh đã tạo ra trước đó. Nghệ sĩ tin rằng anh ta sẽ không thể tạo ra thứ gì đó tốt hơn hoặc tương tự, đơn giản là anh ta không còn gì để phấn đấu nữa. Gauguin sống thêm 5 năm nữa, chứng minh sự thật của những phán đoán của mình. Chính anh ấy nói rằng hình ảnh chính của anh ấy nên được nhìn từ phải sang trái. Có ba nhóm số liệu chính trên đó, nhân cách hóa các câu hỏi mà khung vẽ được hưởng. Ba người phụ nữ có một đứa con cho thấy sự khởi đầu của cuộc sống, ở giữa người tượng trưng cho sự trưởng thành và tuổi già được đại diện bởi một người phụ nữ lớn tuổi đang chờ đợi cái chết của cô. Có vẻ như cô ấy đã đồng ý với điều này và đang suy nghĩ về điều gì đó của riêng mình. Dưới chân cô là một con chim trắng, tượng trưng cho sự vô nghĩa của ngôn từ.

Pablo Picasso "Guernica". Sáng tạo của Picasso được lưu giữ trong Bảo tàng Reina Sofia ở Madrid. Một bức tranh lớn, 349 x 776 cm, được vẽ bằng dầu trên vải. Bức tranh tường này được tạo ra vào năm 1937. Bức ảnh kể về cuộc đột kích của các phi công tình nguyện phát xít vào thành phố Guernica. Kết quả của những sự kiện đó, thành phố với dân số 6 nghìn người đã bị san phẳng hoàn toàn. Các nghệ sĩ đã tạo ra bức tranh này chỉ trong một tháng. Trong những ngày đầu, Picasso làm việc trong 10-12 giờ, trong những bản phác thảo đầu tiên của mình, ý tưởng chính đã được nhìn thấy. Kết quả là, bức tranh trở thành một trong những minh họa tốt nhất cho tất cả sự khủng khiếp của chủ nghĩa phát xít, sự tàn nhẫn và đau buồn của con người. Trong "Guernica" bạn có thể thấy một cảnh tàn bạo, bạo lực, chết chóc, đau khổ và bất lực. Mặc dù lý do cho điều này không được nêu rõ ràng, nhưng chúng rõ ràng từ lịch sử. Người ta nói rằng vào năm 1940, Pablo Picasso thậm chí còn được triệu tập đến Gestapo ở Paris. Anh ta ngay lập tức được hỏi: "Bạn đã làm điều đó?" Nghệ sĩ trả lời: "Không, bạn đã làm nó."

Jan van Eyck "Chân dung của cặp đôi Arnolfini". Bức tranh này được vẽ năm 1434 bằng dầu trên gỗ. Kích thước của kiệt tác là 81,8x59,7 cm, và nó được lưu giữ trong Phòng trưng bày Quốc gia Luân Đôn. Có lẽ bức tranh mô tả cảnh Jac di Nicolao Arnolfini cùng với vợ. Tác phẩm là một trong những khó khăn nhất trong trường phái hội họa phương Tây trong thời Phục hưng phương Bắc. Bức tranh nổi tiếng này chứa một số lượng lớn các biểu tượng, truyện ngụ ngôn và nhiều manh mối khác nhau. Rằng chỉ có chữ ký của nghệ sĩ "Jan van Eyck đã ở đây." Kết quả là bức tranh không chỉ là một tác phẩm nghệ thuật, mà là một tài liệu lịch sử có thật. Rốt cuộc, nó mô tả một sự kiện có thật mà van Eyck đã chụp. Bức ảnh này gần đây đã trở nên rất phổ biến ở Nga, bởi vì bằng mắt thường, sự tương đồng của Arnolfini với Vladimir Putin là đáng chú ý.

Mikhail Vrubel "Quỷ ngồi". Kiệt tác này của Mikhail Vrubel, được ông vẽ bằng sơn dầu vào năm 1890, được lưu giữ trong Phòng trưng bày Tretyakov. Kích thước của khung vẽ là 114x211 cm. Con quỷ được mô tả ở đây thật đáng ngạc nhiên. Anh ta xuất hiện như một chàng trai trẻ buồn bã với mái tóc dài. Thông thường mọi người không đại diện cho linh hồn ác theo cách đó. Bản thân Vrubel, về bức tranh nổi tiếng nhất của mình, nói rằng trong sự hiểu biết của mình, con quỷ không phải là một linh hồn xấu xa như một kẻ đau khổ. Đồng thời, người ta không thể phủ nhận anh ta uy quyền và nhân phẩm. Con quỷ của Vrubel là một hình ảnh, trước hết, về tinh thần con người, đang ngự trị trong chúng ta trong cuộc đấu tranh không ngừng với chính mình và những nghi ngờ. Sinh vật này, được bao quanh bởi những bông hoa, nắm chặt tay anh, đôi mắt to của anh buồn bã nhìn về phía xa. Toàn bộ tác phẩm thể hiện sự ràng buộc của hình dạng của con quỷ. Anh ta dường như bị ép trong hình ảnh này giữa trên và dưới của khung hình.

Vasily Vereshchagin "Apotheosis of War". Bức tranh được vẽ vào năm 1871, nhưng trong đó tác giả dường như thấy trước sự khủng khiếp của Thế chiến trong tương lai. Canvas có kích thước 127x197 cm được giữ trong Phòng trưng bày Tretyakov. Vereshchagin được coi là một trong những họa sĩ chiến đấu giỏi nhất trong hội họa Nga. Tuy nhiên, anh không viết chiến tranh và chiến đấu vì anh yêu chúng. Nghệ sĩ đã cố gắng truyền đạt cho mọi người thái độ tiêu cực của mình đối với cuộc chiến bằng phương tiện mỹ thuật. Có lần Vereshchagin thậm chí còn hứa sẽ không vẽ tranh chiến đấu nữa. Rốt cuộc, họa sĩ đã mang nỗi đau của mỗi người lính bị thương và giết chết quá gần với trái tim anh ta. Kết quả của một thái độ chân thành như vậy đối với chủ đề này là "The Apotheosis of War". Một bức tranh khủng khiếp và mê hoặc mô tả một núi sọ người trên một cánh đồng với những con quạ xung quanh. Vereshchagin đã tạo ra một bức tranh đầy cảm xúc, đằng sau mỗi hộp sọ trong một đống lớn là dấu vết lịch sử và số phận của những cá nhân và những người gần gũi với họ. Bản thân họa sĩ đã mỉa mai gọi bức tranh này là một cuộc sống tĩnh lặng, bởi vì nó mô tả thiên nhiên đã chết. Tất cả các chi tiết của "The Apotheosis of War" hét lên về cái chết và sự trống rỗng, nó có thể được nhìn thấy ngay cả trong nền màu vàng của trái đất. Và màu xanh của bầu trời chỉ nhấn mạnh đến cái chết. Ý tưởng về sự khủng khiếp của chiến tranh được nhấn mạnh bởi các lỗ đạn và vết kiếm trên hộp sọ.

Grant Wood "American Gothic". Bức tranh nhỏ này có kích thước 74 x 62 cm. Nó được tạo ra vào năm 1930 và hiện được lưu giữ tại Viện Nghệ thuật Chicago. Bức tranh là một trong những ví dụ nổi tiếng nhất về nghệ thuật Mỹ của thế kỷ trước. Ngay trong thời đại của chúng ta, cái tên "American Gothic" thường được nhắc đến trên các phương tiện truyền thông. Bức tranh mô tả một người cha khá ảm đạm và con gái ông. Vô số chi tiết nói về mức độ nghiêm trọng, chủ nghĩa thuần túy và hóa thạch của những người này. Họ có khuôn mặt khó chịu, một người ném bóng hung hăng ở giữa bức tranh, và quần áo của cặp đôi này đã lỗi thời ngay cả theo tiêu chuẩn của thời đại. Ngay cả đường may trên quần áo của nông dân cũng có hình dạng của một cây chĩa, tăng gấp đôi mối đe dọa cho những người xâm phạm lối sống của anh ta. Các chi tiết của bức tranh có thể được nghiên cứu vô tận, cảm giác khó chịu về thể chất. Điều thú vị là trong một lần, tại một cuộc thi tại Viện Nghệ thuật Chicago, bức ảnh đã được ban giám khảo chấp nhận là hài hước. Nhưng người dân Iowa đã xúc phạm nghệ sĩ vì đã đặt họ vào một viễn cảnh khó coi như vậy. Người mẫu cho người phụ nữ là chị gái của Wood, nhưng nguyên mẫu của người đàn ông giận dữ là nha sĩ của họa sĩ.

Rene Magritte "Người yêu". Bức tranh được vẽ năm 1928 bằng sơn dầu. Tuy nhiên, có hai lựa chọn. Trong một trong số họ, một người đàn ông và một người phụ nữ đang hôn nhau, chỉ có đầu của họ được bọc trong vải trắng. Trong một phiên bản khác của bức tranh, những người yêu nhau đang nhìn người xem. Rút ra và ngạc nhiên, và ngơ ngác. Con số không có khuôn mặt tượng trưng cho sự mù quáng của tình yêu. Người ta biết rằng những người yêu nhau không nhìn thấy ai xung quanh, nhưng chúng ta không thể thấy cảm xúc thật của họ. Ngay cả đối với nhau, những người này, bị mù bởi cảm giác, thực sự là một bí ẩn. Và mặc dù thông điệp chính của bức tranh có vẻ rõ ràng, "Người yêu" vẫn khiến bạn nhìn họ và nghĩ về tình yêu. Nói chung, hầu hết tất cả các bức tranh của Magritte đều là những câu đố, điều này hoàn toàn không thể giải được. Rốt cuộc, những bức tranh này đưa ra những câu hỏi chính về ý nghĩa của cuộc sống của chúng ta. Trong đó, nghệ sĩ nói về bản chất huyễn hoặc của những gì chúng ta thấy, về thực tế là có nhiều điều bí ẩn xung quanh chúng ta mà chúng ta cố gắng không chú ý.

Marc Chagall "Đi bộ". Bức tranh được vẽ bằng sơn dầu trên vải vào năm 1917, bây giờ nó được lưu giữ trong Phòng trưng bày Nhà nước Tretyakov. Trong các tác phẩm của mình, Marc Chagall thường nghiêm túc, nhưng ở đây, anh cho phép mình thể hiện tình cảm. Bức tranh thể hiện niềm hạnh phúc cá nhân của người nghệ sĩ, nó chứa đầy tình yêu và những câu chuyện ngụ ngôn. "Walk" của anh là một bức ảnh tự sướng, nơi Chagall miêu tả người vợ Bella bên cạnh anh. Người anh chọn trên trời cao, cô định kéo nghệ sĩ đến đó, người gần như đã nhấc mình lên khỏi mặt đất, chỉ chạm vào cô bằng mũi giày. Mặt khác của người đàn ông là một người ăn miếng trả miếng. Chúng ta có thể nói rằng đây là cách Chagall miêu tả hạnh phúc của mình. Anh ta có một con hạc trên bầu trời trong hình dạng của một người phụ nữ yêu quý, và một con chim ưng trong tay anh ta, có nghĩa là công việc của anh ta.

Hieronymousus Bosch "Khu vườn của những niềm vui trần gian". Tấm bạt 389x220 cm này được giữ trong Bảo tàng Luật Tây Ban Nha. Bosch đã vẽ một bức tranh sơn dầu trên gỗ trong những năm 1500-1510. Đây là bộ ba nổi tiếng nhất của Bosch, mặc dù hình ảnh có ba phần, nó được đặt theo tên của bộ phận trung tâm, dành riêng cho sự bay bổng. Không có tranh luận liên tục xung quanh ý nghĩa của một bức tranh kỳ lạ, không có cách giải thích nào về nó sẽ được công nhận là duy nhất đúng. Sự thú vị trong bộ ba xuất hiện vì nhiều chi tiết nhỏ thể hiện ý chính. Có những nhân vật trong mờ, cấu trúc khác thường, quái vật, những cơn ác mộng và tầm nhìn hiện thân và những biến thể địa ngục của thực tế. Các nghệ sĩ đã có thể nhìn vào tất cả điều này với một cái nhìn sắc nét và tìm kiếm, đã quản lý để kết hợp các yếu tố khác nhau vào một bức tranh. Một số nhà nghiên cứu đã cố gắng nhìn thấy trong bức tranh một sự phản ánh cuộc sống của con người, mà tác giả cho thấy vô ích. Những người khác tìm thấy hình ảnh của tình yêu, một người nào đó đã phát hiện ra chiến thắng của sự khiêu gợi. Tuy nhiên, có nghi ngờ rằng tác giả đã cố gắng tôn vinh những thú vui xác thịt. Rốt cuộc, số liệu của mọi người được miêu tả với sự lạnh lùng và ngây thơ. Và chính quyền nhà thờ đã phản ứng khá thuận lợi với bức tranh này của Bosch.

Gustav Klimt "Ba tuổi của phụ nữ". Bức tranh này nằm trong Phòng trưng bày nghệ thuật hiện đại quốc gia La Mã. Canvas vuông rộng 180 cm được vẽ bằng dầu trên vải vào năm 1905. Bức tranh này thể hiện cả niềm vui và nỗi buồn cùng một lúc. Nghệ sĩ trong ba hình đã có thể cho thấy toàn bộ cuộc sống của một người phụ nữ. Người đầu tiên, vẫn là một đứa trẻ, vô cùng vô tư. Một người phụ nữ trưởng thành thể hiện sự bình yên, và tuổi cuối cùng tượng trưng cho sự tuyệt vọng. Đồng thời, tuổi trung niên được dệt hữu cơ vào vật trang trí cuộc sống, và cái cũ nổi bật đáng chú ý so với nền của nó. Sự tương phản rõ ràng giữa một phụ nữ trẻ và một phụ nữ lớn tuổi là tượng trưng. Nếu sự nở hoa của cuộc sống đi kèm với vô số cơ hội và thay đổi, thì giai đoạn cuối cùng là ăn sâu và xung đột với thực tế. Một bức tranh như vậy thu hút sự chú ý và khiến người ta nghĩ về ý định của nghệ sĩ, chiều sâu của nó. Nó chứa đựng tất cả sự sống với tính tất yếu và biến chất của nó.

Egon Schiele "Gia đình". Tấm bạt này có kích thước 152,5x162,5 cm, được sơn bằng dầu vào năm 1918. Nó hiện được giữ ở Vienna Belvedere. Giáo viên của Schiele là chính Klimt, nhưng học sinh hoàn toàn không cố gắng sao chép anh ta một cách siêng năng, tìm kiếm các phương pháp biểu đạt của riêng anh ta. Chúng ta có thể nói rằng các tác phẩm của Schiele thậm chí còn bi thảm, đáng sợ và kỳ lạ hơn nhiều so với những tác phẩm của Klimt. Một số yếu tố ngày nay sẽ được gọi là khiêu dâm, có nhiều sai lầm khác nhau ở đây, chủ nghĩa tự nhiên hiện diện trong tất cả vẻ đẹp của nó. Đồng thời, các bức tranh được thấm đẫm theo nghĩa đen của một số tuyệt vọng đau đớn. Đỉnh cao của công việc của Schiele và bức tranh gần đây nhất của ông là "Gia đình". Trong bức tranh này, sự tuyệt vọng được đưa đến mức tối đa, trong khi bản thân tác phẩm hóa ra là ít lạ nhất đối với tác giả. Sau khi người vợ đang mang thai Schiele qua đời vì bệnh cúm Tây Ban Nha, và không lâu trước khi chết, kiệt tác này đã được tạo ra. Chỉ 3 ngày trôi qua giữa hai cái chết, họ đã đủ để họa sĩ thể hiện mình với vợ và đứa con chưa từng sinh ra. Lúc đó, Schiele chỉ mới 28 tuổi.

Frida Kahlo "Hai Frida". Bức tranh ra đời năm 1939. Nghệ sĩ người Mexico Frida Kahlo trở nên nổi tiếng sau khi phát hành bộ phim về cô với Salma Hayek trong vai trò tiêu đề. Tác phẩm của họa sĩ dựa trên những bức chân dung tự họa của cô. Bản thân cô đã giải thích thực tế này như sau: "Tôi tự viết vì tôi dành nhiều thời gian một mình và vì tôi là chủ đề mà tôi biết rõ nhất". Điều thú vị là Frida không cười trong bất kỳ bức tranh nào của cô. Khuôn mặt cô nghiêm túc, thậm chí có phần thương tiếc. Lông mày rậm hợp nhất và râu hầu như không đáng chú ý phía trên đôi môi bị nén thể hiện sự nghiêm túc tối đa. Ý tưởng của các bức tranh nằm trong các hình vẽ, bối cảnh và chi tiết về những gì xung quanh Frida. Biểu tượng của các bức tranh dựa trên truyền thống dân tộc của Mexico, đan xen chặt chẽ với thần thoại Ấn Độ cũ. "Two Frida" là một trong những bức ảnh đẹp nhất của Mexico. Trong đó, các nguyên tắc nam tính và nữ tính được hiển thị theo cách nguyên bản, có một hệ thống tuần hoàn duy nhất. Vì vậy, nghệ sĩ đã cho thấy sự thống nhất và toàn vẹn của hai mặt đối lập này.

Claude Monet "Cầu Waterloo. Hiệu ứng sương mù". Bức tranh này của Monet có thể được tìm thấy ở St. Petersburg Hermecca. Nó được vẽ bằng dầu trên vải vào năm 1899. Khi xem xét kỹ hơn bức tranh, nó xuất hiện như một đốm màu tím với những nét dày được áp dụng cho nó. Tuy nhiên, di chuyển ra khỏi tấm vải, người xem hiểu tất cả sự kỳ diệu của nó. Đầu tiên, hình bán nguyệt mơ hồ đi qua trung tâm bức tranh trở nên rõ ràng, những đường viền của những chiếc thuyền xuất hiện. Và từ khoảng cách vài mét, bạn đã có thể thấy tất cả các yếu tố của hình ảnh, được kết nối trong một chuỗi logic.

Jackson Pollock "Số 5, 1948". Pollock là một tác phẩm kinh điển của thể loại chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng. Bức tranh nổi tiếng nhất của ông là đắt nhất thế giới hiện nay. Và họa sĩ đã vẽ nó vào năm 1948, chỉ đơn giản là đổ sơn dầu lên tấm ván sợi có kích thước 240x120 cm trên sàn nhà. Năm 2006, bức tranh này đã được bán tại Sothotti với giá 140 triệu đô la. Chủ sở hữu trước đây, nhà sưu tập và nhà sản xuất phim David Giffen, đã bán nó cho nhà tài chính người Mexico David Martinez. Pollock nói rằng ông quyết định tránh xa các công cụ nghệ sĩ quen thuộc như giá vẽ, sơn và cọ vẽ. Dụng cụ của anh là gậy, dao, muỗng và đổ sơn. Ông cũng sử dụng hỗn hợp của nó với cát hoặc thậm chí là thủy tinh vỡ. Bắt đầu tạo. Pollock đầu hàng cảm hứng, thậm chí không nhận ra mình đang làm gì. Chỉ sau đó mới nhận ra sự hoàn hảo. Đồng thời, nghệ sĩ không sợ phá hủy hình ảnh hoặc vô tình thay đổi nó - bức tranh bắt đầu sống cuộc sống của chính nó. Nhiệm vụ của Pollock là giúp cô ấy được sinh ra, ra ngoài.Nhưng nếu chủ nhân mất liên lạc với sáng tạo của mình, thì kết quả sẽ là hỗn loạn và bụi bẩn. Nếu thành công, bức tranh sẽ thể hiện sự hài hòa thuần khiết, dễ tiếp nhận và thể hiện cảm hứng.

Joan Miró "Một người đàn ông và một người phụ nữ trước một đống phân." Bức tranh này hiện được lưu giữ trong bộ sưu tập của họa sĩ ở Tây Ban Nha. Nó được vẽ bằng dầu trên một tấm đồng vào năm 1935 chỉ trong một tuần từ ngày 15 đến 22 tháng 10. Kích thước của sáng tạo chỉ 23x32 cm. Mặc dù có một tiêu đề khiêu khích như vậy, bức tranh nói lên sự khủng khiếp của các cuộc nội chiến. Do đó, chính tác giả đã mô tả các sự kiện của những năm đó diễn ra ở Tây Ban Nha. Miro đã cố gắng thể hiện một khoảng thời gian lo lắng. Trong ảnh, bạn có thể thấy người đàn ông và người phụ nữ bất động, tuy nhiên, người bị hút vào nhau. Bức tranh được bão hòa với những bông hoa độc đáng ngại, cùng với bộ phận sinh dục mở rộng trông nó có vẻ cố tình ghê tởm và gợi cảm ghê tởm.

Jacek Jerka "Xói mòn". Trong các tác phẩm của siêu thực tân Ba Lan này, những hình ảnh của hiện thực, đan xen, tạo ra một thực tế mới. Trong một số cách, thậm chí chạm vào hình ảnh là cực kỳ chi tiết. Họ cảm nhận được tiếng vang của những người theo chủ nghĩa siêu thực trong quá khứ, từ Bosch đến Dali. Yerka lớn lên trong một bầu không khí của kiến ​​trúc thời trung cổ đã sống sót một cách kỳ diệu trong các vụ đánh bom trong Thế chiến thứ hai. Anh bắt đầu vẽ ngay cả trước khi vào đại học. Họ đã cố gắng thay đổi phong cách của anh ấy thành một phong cách hiện đại hơn và ít chi tiết hơn, nhưng bản thân Yerka vẫn giữ được cá tính của mình. Ngày nay, những bức tranh khác thường của ông được triển lãm không chỉ ở Ba Lan mà còn ở Đức, Pháp, Monaco và Hoa Kỳ. Chúng được tìm thấy trong một số bộ sưu tập trên khắp thế giới.

Bill Stoneham "Chống tay". Bức tranh, được vẽ vào năm 1972, hầu như không phải là một bức tranh cổ điển. Tuy nhiên, không có nghi ngờ rằng cô là một trong những sáng tạo kỳ lạ nhất của các nghệ sĩ. Bức tranh mô tả một cậu bé, bên cạnh cậu ta là một con búp bê và vô số lòng bàn tay được ép vào kính từ phía sau. Canvas này là lạ, bí ẩn và hơi huyền bí. Nó đã phát triển quá mức với những huyền thoại. Họ nói rằng vì bức ảnh này mà ai đó đã chết, và những đứa trẻ trên đó còn sống. Cô ấy trông thật đáng sợ. Không có gì đáng ngạc nhiên khi bức tranh gợi lên nỗi sợ hãi và những tưởng tượng khủng khiếp cho những người có tâm lý bệnh hoạn. Bản thân Stoneham tự đảm bảo rằng mình đã tự vẽ từ năm 5 tuổi. Cánh cửa phía sau cậu bé là rào cản giữa thực tế và thế giới của những giấc mơ. Mặt khác, con búp bê là một hướng dẫn có thể đưa một đứa trẻ từ thế giới này sang thế giới khác. Bàn tay là cuộc sống thay thế hoặc khả năng của con người. Bức tranh trở nên nổi tiếng vào tháng 2 năm 2000. Nó đã được đưa lên bán trên eBay, nói rằng nó có ma. Cuối cùng, Hands Chống lại Ngài được Kim Smith mua với giá $ 1,025. Chẳng mấy chốc, người mua đã tràn ngập những bức thư với những câu chuyện đáng sợ liên quan đến bức tranh và yêu cầu phá hủy bức tranh này.


Xem video: Những bức ảnh đẹp chụp đúng thời điểm thật KỲ LẠ và THÚ VỊ! Blog HCĐ (Có Thể 2022).


Bình luận:

  1. Akule

    vẻ đẹp

  2. Ariss

    Có một cái gì đó trong này. I will know, thank you for your help in this matter.



Viết một tin nhắn